Miss Von Trash/Ursula Michel

James Gray

2012-01-18T10:49:00.000-08:00

Un réalisateur très discret

Réalisateur et scénariste de ses propres films, James Gray est présent dans le panorama cinématographique depuis plus de quinze ans. Auscultant les rapports familiaux dans toute leur violence (Little Odessa et The Yard), la notion d’héritage et de destin (We Own the Night) ou encore la folie douce d’inadaptés sentimentaux (Two Lovers), James Gray s’est fait une spécialité de travailler le motif de la tragédie moderne. Sa discrétion et son rythme de production (quatre films entre 1994 et 2011) ne lui donnant pas la lumière médiatique qu’il mérite, un ouvrage, sobrement intitulé James Gray, tente de faire le point sur la carrière et les obsessions du réalisateur. A travers les interviews de Gray mais aussi des monteurs, directeurs photo, acteurs, producteurs qui jalonnent sa route, Jordan Mintzer (critique pour The Hollywood Reporter) propose une incursion dans son cinéma, très personnel et mal connu.

Conçu de manière chronologique, le livre découpé en quatre parties (et un appendice sur les projets futurs du metteur en scène), reprend la filmographie de Gray pas à pas. Chaque chapitre, consacré à un film, est introduit par un entretien avec le réalisateur suivi de l’intervention d’un ou plusieurs collaborateurs, tant techniques qu’artistiques. De nombreuses photographies de tournage et des reproductions de scripts viennent se joindre au dispositif, un poil rébarbatif, pour constituer un bien beau livre. Mais si la facture esthétique de cet ouvrage est évidente, son contenu se révèle peu pertinent.

Egrenant ses références (Hitchcock, Polanski ou encore Coppola), James Gray n’évoque jamais avec précision sa méthode de travail. Quelques anecdotes de tournage essaiment l’essai mais de façon succincte. On apprend ainsi que la pluie lors de la scène de poursuite de We Own the Night a été numériquement ajoutée, sans plus de détail ni sur les raisons de ce choix, ni sur ses implication en terme de mise en scène. Idem pour Little Odessa, où la neige s’est invitée inopinément lors des shootings en extérieur. Comment cet élément perturbateur a-t-il été géré ? Comment a-t-il été intégré au film, lui donnant une esthétique finalement en adéquation avec l’ambiance ? Pas de réponse.

Quant aux interventions des divers collaborateurs de Gray (producteur, directeur photo, compositeur…), elles illustrent elles aussi l’absence quasi chronique d’analyse. Des portes ouvertes sont donc enfoncées (le monteur son précisant qu’il est plus facile de modifier des éléments pendant le mixage que sur un plateau, merci de cette évidence) laissant le lecteur sur sa faim. Alors que James Gray construit une œuvre tragique assez rare dans le cinéma actuel (un travail dramaturgique qu’il associe à son amour de Shakespeare), le livre de Jordan Mintzer n’en relate que la surface, ne met en lumière que les évidences et passe sous silence ce qui devrait être l’essence d’un livre sur un cinéaste, à savoir les enjeux et les parti pris de mise en scène du réalisateur.

James Gray se lit (ou se feuillette) donc sans déplaisir (le choix d’avoir conservé en regard les textes en langue anglaise se révélant une excellente idée) mais évitant les sujets qui fâchent (on aurait aimé entendre Joaquin Phoenix, l’acteur fétiche de Gray) et une véritable analyse du travail du metteur en scène, l’ouvrage peine à éclairer l’œuvre dont il fait l’éloge. Cette lecture un peu creuse donne toutefois envie de revoir la courte mais ample filmographie de Gray. C’est déjà ça de pris.

James Gray aux éditions Synecdoche

Publié sur: http://www.critikat.com/James-Gray.html

J.Edgar de Clint Eastwood

2012-01-10T16:05:00.000-08:00

A l’ombre de la Maison-Blanche

Toujours plus crépusculaire, le cinéma de Clint Eastwood continue d’ausculter l’histoire des Etats-Unis, en l’espèce, le destin incroyable de J.Edgar Hoover, le créateur du FBI. Oscillant entre les années 1920 (les débuts du personnage dans la police) et les années 1970 (sa fin de règne sous la présidence Nixon), J.Edgar transcende les règles du biopic. Le film mêle moments d’enfance d’Hoover, confessions du personnage devenu vieux, séquences d’action contre les communistes, ennemi public numéro 1 des USA ou scènes d’amour, entre Edgar et son fidèle bras droit. Ce brassage temporel et dramatique, loin d’être hagiographique, présente les parts d’ombre de celui qui a pesé sur la politique américaine à coups de secrets honteux et d’actes illégaux.

Dans les années 1920, Hoover alors jeune recrue maniaque du fichage (il a crée le système de classement de la bibliothèque du Congrès) se voit confier les rênes d’une nouvelle unité dédiée à l’éradication du communisme. Il imagine une banque de données des criminels au niveau fédéral, s’adjoint les services de scientifiques et met sur pied ce qui deviendra le FBI. Si le film d’Eastwood n’allait pas plus loin dans sa narration, le film serait déjà intéressant. Mais il met à jour d’autres facettes de son héros, plongeant le public dans les affres d’une âme tourmentée. Désir et frustration, mensonge et vérité, pouvoir et contre-pouvoir, J.Edgar navigue sur tous les fronts. DiCaprio s’engouffre dans un ascenseur en 1970, il émerge dans un parking de 1930. Il est jeune et vieux à la fois, troublant et hâbleur une minute puis cruel et mutique la seconde d’après.

Le kaléidoscope émotionnel proposé par Eastwood trouve en DiCaprio un interprète à la hauteur. Impeccable de retenue, parvenant à faire oublier rapidement la tonne de maquillage qui le grime en vieillard, l’acteur joue la partition à merveille. Crédible en vieil homme amoureux tout autant qu’en fils soumis ou en chef implacable, il offre sa plastique intemporelle à l’un des meilleurs Eastwood depuis longtemps (le navrant L’Au-delà et le boiteux Gran Torino n’ayant pas marqué les esprits).

Lecture psychologique d’un homme influent, J.Edgar lie intimité et vie publique dans un film ample et sans temps mort. Un grand film de Clint.

A Violent Kind de Phil Flores et Mitchell Altieri

2012-01-02T10:48:00.001-08:00

Bizarre, vous avez dit bizarre ?

Peut-être parce que l’humanité s’apprête à vivre sa dernière année, le cinéma a aidé en 2011 plus que jamais à préparer le terrain de l’apocalypse. Après Melancholia de Lars van Trier, Take Shelter de Jeff Nichols ou encore l’inédit 4.44 d’Abel Ferrara, c’est avec un direct to dvd que l’entrainement à la fin du monde continue. Commençant comme un teen movie horrifique (jolies filles poumonnées et courtes vêtues, brochette de mecs musclés et décérébrés), A Violent Kind s’amuse à égrener les codes pour les exploser bien vite en s’orientant vers le film de virus, piste qu’il abandonne pour prendre des chemins de traverse, mixant culture Rockabilly, imagerie lynchienne, effets spéciaux cheap et en cerise sur le gâteau, l’apocalypse.

Que font une clique de bikers et leurs dulcinées quand ils veulent faire la fête ? Ils se réunissent dans une vieille baraque avec de la bière et se retournent la tête. Mais quand une des leurs apparaît couverte de sang et visiblement en état de choc, la soirée tourne court. Tandis que leur copine reprend ses esprits et manifeste une agressivité débordante (version possédée), ils sont attaqués par un gang Rockabilly : deux brunes pulpeuses, genre Betty Boop punk, chantent et se trémoussent lors d’interludes qui rythment la séance de torture infligée aux pauvres bikers, séance menée tambour battant par un trio masculin totalement déviant. Si leur objectif semble trouble (entrer en contact avec une sorte d’entité démoniaque qui déchaîne la foudre ?), la méthode utilisée par les rockers déborde elle de brutalité.

Difficile de résumer A Violent Kind tant le scénario part dans tous les sens. Film de sorcière, de virus, de possession, tout à la fois, dur de suivre clairement le projet des réalisateurs (surnommés les Butchers Brothers). Mais force est de constater que certaines séquences impressionnent. La désinvolture des Rockabilly (pas de danse et choix de morceaux musicaux à l’appui) et la violence qu’ils déchaînent créent une atmosphère délétère. Sans être subversif (il aurait fallu un propos pour cela), le film oscille sans cesse entre mauvais goût, suspense et sauvagerie pour un spectacle somme toute réjouissante. Quant au final, sans en déflorer le sel, disons juste qu’il rappelle le grand n’importe quoi de Kaboom de Gregg Araki, l’humour en moins.

Parfois indigeste voire boursoufflé dans son mélange des genres, A Violent Kind offre tout de même une proposition cinématographique hors norme dans un monde horrifique qui peine à sortir des sentiers (re)battus. A voir au douzième degré même si les réal sont sans doute restés eux au premier.

Père Noël Origines de Jalmari Helander

2011-12-24T03:22:00.000-08:00

LET IT SNOW…

Au rayon des films de Noël pleins de bons sentiments, de niaiseries et de gentils vieux messieurs barbus, Père Noël Origines fait figure d’ovni. Les métrages proposant un programme de réveillon quelque peu déviant existent (Gremlins, Le Jour de la bête, Black Christmas…) mais rares sont ceux à traiter du personnage ventru sous des auspices malveillants. C’est le parti-pris du réalisateur finlandais qui met en scène, en plein grand Nord, une expédition découvrant une tombe gigantesque scellée dans la pierre, qui va bientôt s’avérer celle du Père Noël.

La légende d’un Père Noël débonnaire et affectueux a progressivement supplanté le duo Père Noël (saint Nicolas)/Père Fouettard (Krampus) apparu à la Renaissance. Le mauvais père aux oubliettes, les enfants peuvent dormir tranquilles. Mais Jalmari Helander, dont Père Noël Origines est le premier long, développement de ses précédents courts-métrages Rare Exports Inc. (2003) et Rare Exports : The Official Safety Instructions (2005), en a décidé autrement. À un mois de Noël, dans le nord de la Finlande, à la frontière russe, une équipe d’explorateurs américains fouille les tréfonds d’une montagne. Ils excavent une gangue de pierre où git un corps (supposément celui du Père Noël) et se préparent à l’expédier aux USA. Quelques kilomètres en contrebas, vivent Pietari et son père. Le jeune garçon perçoit rapidement d’étranges événements auxquels les adultes ne sont guère sensibles. Mais après le massacre du cheptel de rennes et les disparitions successives des enfants du village, son père et quelques-uns de ses amis commencent à croire les dires de l’enfant. Un Père Noël maléfique semble sévir dans la région, épaulé par une cohorte de vieux elfes. Alors que les habitants parviennent enfin à capturer le vieillard se pose la question la plus insolite qui soit : que faire de lui et des nombreux elfes qui pullulent ?

Père Noël Origines, comédie noire assumée, s’amuse du mythe du Père Noël en brossant le portrait sans concession d’un vieux méchant. Violent, silencieux, doté d’un œil vicieux, le bonhomme de Helander n’est pas un enfant de chœur. Au contraire, il trucide et effraie les enfants (et les adultes) pour le plus grand bonheur des spectateurs. Mais le grand écart entre comédie et film d’horreur se révèle difficile à tenir et le film peine dans sa plus grande partie à remplir les deux cahiers des charges. Le personnage du Père Noël (un elfe en réalité), parfaitement campé, ne parvient toutefois pas à distiller la peur qu’il devrait susciter naturellement. Le contrepoids comique a, quant à lui, du mal à s’imposer malgré des situations grotesques à souhait. Mi-figue mi-raisin, mi-réussite donc.

Heureusement le final du film fait remonter d’un coup le thermomètre des rires. Reprenant la trame des courts-métrages qui ont fait son succès en Finlande et dans de nombreux festivals internationaux, Helander donne une réponse étonnante à la question : que faire de tout ce petit monde un poil agressif ? Du pognon ! Dans un monde où Noël ressemble à l’affaire du siècle capitaliste, autant en tirer le maximum en dressant les elfes à devenir de bons Pères Noël et en les expédiant de par le monde jouer leur rôle. Les séquences de fin (lavage, rééducation comportementale et habillage des vieillards) rivalisent de mauvais esprit (enfin) et de cynisme face à la corruption financière de l’esprit de Noël. Un vrai moment de cinéma subversif !

Pas assez effrayant ou trop sérieux, Père Noël Origines s’essouffle dans le cadre du film de genre mais trouve son équilibre dans sa conclusion. Le mauvais esprit en cadeau de Noël, même pour quelques minutes, ça ne se refuse pas.

Publié sur: http://www.critikat.com/Pere-Noel-Origines.html

Père Noël Origines Bande Annonce VOST par Sebiwan67

A Dangerous Method de David Cronenberg

2011-12-21T12:41:00.000-08:00

Un divan pour 3

Cronenberg remet le couvert avec Viggo Mortensen pour la troisième fois en six ans et lui offre le rôle de Sigmund Freud dans son drame psychanalytique A Dangerous Method.

Au début du siècle dernier, une révolution, que certains regardent encore avec méfiance, ébranle les théories de l’âme humaine. Freud, médecin viennois, pose les bases de la psychanalyse et théorise les liens entre névroses et sexe. En Suisse, un autre docteur, Jung tente les expériences cliniques qui, si elles valident les théories freudiennes pourraient bien bouleverser le monde scientifique. Son sujet d’étude prend les traits d’une belle jeune fille, Sabina Spielrein.

Entre mâchoires démantibulées, arrachage de cheveux et spasmes hystériques, Keira Knightley mime la folie, jusqu’à l’excès, interprétation indigeste et caricaturale du mal profond censé dévorer son personnage (elle se révèlera masochiste). On a connu Cronenberg plus inspiré par les tourments de la chair. Celui qui avait initié un cinéma charnel (La Mouche, Frissons) et soucieux des dérives mentales (Faux-semblants) livre là un piètre film. Engoncé dans les contingences sociales du début du XXe siècle, A Dangerous Method pourrait presque ressembler à un métrage de James Ivory tant sa facture apparaît compassée et poussiéreuse. Ultra classique dans sa reproduction historique (joli diraient certains, le pire compliment qu'on puisse faire à un film), A Dangerous Method est aussi sans grande surprise niveau mise en scène. Cadres attendus, montage plat, musique d’accompagnement (il est loin le temps de Crash et de sa B.O stratosphérique, pourtant composée par le même Howard Shore), rien ou presque ne sauve le film de l’ennui.

Si le prestation de Knightley frise le ridicule par son emphase incontrôlée, la (re)tenue de Mortensen et Fassbender (décidément partout) temporise l’ensemble. Mais les séquences de discussion entre les deux maîtres de la psychanalyse frôlant l’indigence (l’interprétation des rêves pour les Nuls), il est ardu de prendre la mesure de leur découverte scientifique.

Sans surprise, alignant les clichés les plus éculés sur la psychanalyse, A Dangerous Method échoue dans une vulgarisation simpliste sans parvenir à s’emparer pleinement d’un sujet pour le moins excitant. Abandonnant la chair au profit de l’esprit (et des manifestations physiques qu’il produit), Cronenberg s’éloigne définitivement des rivages cinématographiques qui ont fait son succès pour s’atteler à un cinéma froid et faussement intellectuel… Une méthode effectivement bien dangereuse.

La Fin du silence de Roland Edzard

2011-12-19T00:53:00.000-08:00

CHUT…

Elève aux Arts décoratifs puis au Studio national des Arts Contemporains, Roland Edzard se fait remarquer à Cannes en 2004 pour son court-métrage La Plaine (primé par la Cinéfondation) dont il reprend aujourd’hui la trame narrative pour son premier long La Fin du silence. Film d’ambiance, impressionniste et cru à la fois, La Fin du silence joue à fond l’immersion sensorielle du public mais oublie au passage ses personnages, trop monolithiques pour qu’on s’y intéresse.

Un matin, dans une maison isolée en lisière d’une forêt vosgienne éclate une dispute violente. Jean (Franck Falise) s’écharpe avec son frère aîné jusqu'à ce que son père le jette dehors. Rongé par la violence, il erre jusqu’à retrouver une bande de chasseurs dans un troquet du village. Coupable idéal lorsque la nuit même la voiture familiale est incendiée, Jean s’enferme un peu plus dans le mutisme, s’arme d’un fusil et retourne chez lui.

Pas véritablement un film de vengeance (même si ce sentiment traverse le personnage de part en part), La Fin du silence s’affranchit très vite d’une linéarité narrative pour s’ancrer dans les impulsions du héros. Dès l’affrontement physique des deux frères, le ton est donné. Charnel, émotionnel, le métrage tente de suivre le cheminement d’un ado en rupture avec ses parents, et plus largement avec le genre humain, non pas à travers les étapes d’une réflexion (implicite ou verbalisée) qui le mènerait au passage à l’acte, mais en auscultant les nerfs ou les pulsions qui le poussent à agir. Malheureusement, les affres psychologiques de Jean peinent à affleurer à l’écran. La mise en scène, volontairement distante et cherchant à tout prix le réalisme brut, enfile les scènes de conflit sans en donner les clés. Ceux qui tentent d’aider Jean sont traités par lui comme des ennemis au même titre que sa famille. Pourquoi ? Silence… On observe le personnage, on l’épie comme une proie (ou un prédateur, la symbolique un peu facile du chasseur jouant sans cesse sur l’inversement des rôles chasseur/chassé) mais les états émotionnels qui le guident restent difficilement pénétrables. Le choix du décor (la forêt vosgienne), censé mettre en lumière l’animalité ou la minéralité des personnages, se révèle du coup étrangement artificiel. L’hermétisme du héros contamine le film, le rendant abscons, la sensorialité des lieux déployée à longueur de plans ne suffisant pas à contrebalancer cet effet de vide.

A trop vouloir filmer le non-dit (le fameux silence) par l’entremise d’images très « arty » (le film faisant plus penser au travail d’un vidéaste qu’à une fiction), le réalisateur propose un univers clos sur lui-même, auquel le public peine à adhérer. L’éloge du silence est un art difficile. Souligner le bouillonnement émotionnel d’un être sans caractériser a minima sa psychologie se révèle un écueil majeur. Objet formel arythmique et trop esquissé pour convaincre, La Fin du silence ennuie finalement plus qu’il ne fascine.

Publié sur: www.critikat.com/La-Fin-du-silence.html

Shark Night 3D de David R.Ellis

2011-12-14T15:38:00.000-08:00

Gang de requins

Depuis Les Dents de la mer, le film de requins est devenu un genre à part. Après avoir mis les bestioles à Venise (Shark in Venice), les avoir fait combattre contre des pieuvres géantes (Mega shark VS giant octopus) et en attendant de les voir dans un centre commercial (Balt), ils prennent possession d’un lac (toute la subtilité du scénario résidant dans leur arrivée sur les lieux) dans Shark 3D.

Une joyeuse bande d’étudiants partent fêter la fin des examens dans la villa magnifique d’une de leurs amis au beau milieu d’un immense lac. Lors d’une virée en bateau, un des personnages se fait croquer un bras. Commence alors un jeu de massacre mené tambour battant par une horde de requins.

En préambule, précisons que la finesse du scénario n’a d’égal que la justesse d’interprétation des acteurs. Pourquoi les personnages ne restent-ils pas au sec en attendant les secours ? Pourquoi se séparent-ils en petits groupes ? Mystère et boule de gomme. Tous les poncifs du film d’horreur sont donc présents à l’écran, flirtant dangereusement avec la patience du public. Jusqu’au héros amputé d’un bras qui décide de se venger de l’animal, une pauvre lance dans sa main restante…Pas très crédible tout ça. Quant à l’explication de la présence des gros poissons, ils auraient été implantés par deux locaux (débiles et cruels à souhait) afin de se faire de l’argent en proposant les vidéos des victimes dévorées sur le net.

Force est de constater que le scénario boîte sévèrement et la mise en scène n’arrange rien. Dès le générique, on comprend que le spectacle sera bourrin. Et à cet égard, Shark 3D assure son cahier des charges. Un requin qui saute et gobe tout cru un éphèbe narcissique, une bimbo grignotée par une bande de petits bestiaux agressifs (type piranhas), un geek décroché d’un arbre par un énorme squale et le grand requin blanc en guest star de fin, tout ça bourré de retournements de situation, les aficionados du genre ont auront pour leur argent. Pour les autres, mieux vaut éviter cette nuit poissonnière, sanglante, décérébrée mais franchement amusante.

Livide d’Alexandre Bustillo et Julien Maury

2011-12-14T01:56:00.000-08:00

Danse macabre

Après leur coup d’essai A l’intérieur, le duo français remet le couvert avec Livide, encore un film de genre. Moins gore que son prédécesseur (même si certaines séquences dégoulinent d’hémoglobine), le film met en présence des vampires fantomatiques et des adolescents décérébrés dans un grand manoir inhabité. Si le scénario vous rappelle les ingrédients d’autres métrages, la mise en scène ne ressemble à rien de déjà-vu. A rien tout court.

Lucie (Chloé Coulloud), étudiante infirmière en stage, fait équipe avec Wilson (Catherine Jacob à contre-emploi), infirmière à domicile sensée lui apprendre les rudiments du métier. D’un patient à l’autre (l’isolement des pauvres vieux bougres sentant bon la critique d’une société qui abandonne ses aînés), la tournée s’achève dans une grande bâtisse délabrée où croupit Jessel (Marie-Claude Pietragalla), professeur de danse centenaire aujourd’hui plongée dans le coma. Mais Halloween donnant de mauvaises idées aux jeunes gens paumés, Lucie, son petit ami William (Félix Moati) et Ben (Jérémy Kapone) décident la nuit même de cambrioler la demeure où un trésor serait caché. Après quelques tergiversations moralistes, le trio s’introduit dans l’immense maison. Le jeu de massacre peut commencer.

Les grands films de genre ne s’embarrassent que rarement d’un bon scénario (les whodunit d’Argento dans les années 1970 en sont un exemple) mais Bustillo et Maury (scénaristes de leurs films) ont visiblement planché sur Livide. Peut-être trop… Mélangeant les codes du ghost movie (la maison abandonnée menaçante) et ceux du film de vampire (sans compter les clins d’œil à l’univers de la sorcellerie), ils entassent des références sans parvenir à mener à terme l’un ou l’autre des genres. Volontairement touffu, Livide ouvre trop de pistes : la mère de Chloé s’est suicidée et semble hanter sa fille (les apparitions de Béatrice Dalle en matrone ectoplasmique frôlent le grotesque), Ben passe à travers un miroir (une réalité alternative ? le passé ?) et se fait massacrer par des petites ballerines ultra-violentes (pourquoi ?), la fille de Jessel, transformée par sa mère en poupée mécanique cherche sa rédemption (qu’elle trouvera dans un final hilarant où elle vole au milieu des mouettes !). En ajoutant à cela Jessel à la recherche de sang frais et Wilson qui trucide des enfants dans sa baignoire, on obtient un grand n’importe quoi narratif, un amoncellement de séquences esthétisantes non déplaisantes (les déplacements de la féline Pietragalla par exemple) qui ne font pas, loin s’en faut, un film.

Quant à la mise en scène, le duo se contente du minimum syndical. Les situations qui auraient pu susciter la peur ou l’angoisse sont souvent plombées par des effets faciles et attendus (un champ avec trois personnages puis un contre-champ sur l’espace vide, retour au champ initial où il ne reste que deux héros). Alors que le décor, sorte de cabinet des curiosités géant, aurait pu instiller un malaise souhaitable sur le spectateur, il demeure une coquille belle mais vide de sens. Jamais symbolique, Livide joue sa partition au premier degré, entre des gamins qui jouent à se faire peur sans nous inquiéter, des séquences sanglantes trop esthétiques et auto-complaisantes et des envolées qui lorgnent le lyrique pour mieux se vautrer dans le ridicule. Livide sera le public au sortir de ce spectacle grand guignolesque. Un genre en soi mais peut-être pas celui recherché par les amateurs.

Publié sur: http://www.critikat.com/Livide.html

The Lady de Luc Besson

2011-12-11T10:16:00.000-08:00

No Woman, no cry

Est-il besoin de rappeler les faits d’armes du Grand Manitou de la production française ? Celui qui a importé dans nos contrées la recette américaine du blockbuster braconne, une fois n’est pas coutume, du côté du film politique. Dans The Lady, il brosse le portrait d’Aung San Suu Kyi, prix Nobel de la paix, dissidente pacifiste birmane, mère et épouse. Mais la complexité psychologique n’ayant jamais été le fort du réalisateur, Besson se complaît dans une vision manichéenne et parcellaire de son sujet, loin de la force dramaturgique que le destin tragique de la Lady aurait pu insuffler au film.

Dès les premières minutes du film (qui en affiche tout de même 127 au compteur), le ton est donné. Suu enfant écoute émerveillée dans les bras de son père, leader de la libération, l’histoire de la Birmanie. Il évoque la pauvreté du pays (ils résident dans une magnifique villa) et les violences subies par le peuple (ils sont installés dans un calme jardin ensoleillé). Appelé pour une réunion politique, il glisse une orchidée dans les cheveux de Suu, symbole de paix récurrent dans le film (une colombe aurait sans doute été un signe trop évident !) et part accomplir sa mission. Arrivé à destination, des Birmans à la mine patibulaire (suant, œil vicieux) l’attendent et le passent par les armes, lui et ses sergents. Déjà lourdement manichéen, le métrage s’emballe dans cette séquence brutale boostée par la musique d’Eric Serra. Les victimes exterminées sans rébellion (le père de Suu ferme les yeux en signe de consentement à son destin), les bourreaux cruels et pleins d’autosatisfaction. Fin du prologue. Mais pas du métrage.

Besson décline sur ce mode dichotomique la quasi-totalité de son film, en usant souvent de la langue comme d’un révélateur de positionnement. Les militaires de la junte parlent birman (mise à distance avec le public) alors que Aung San Suu Kyi et ses sympathisants s’expriment volontiers en anglais (référence rassurante pour ce même public). Ce choix linguistique, cohérent lorsque Suu est en Grande-Bretagne ou qu’elle converse avec son mari (britannique) et ses enfants (anglophones) gagne en superficialité (et en facilité) quand elle se retrouve assignée à résidence à Rangoon, entourée de Birmans. Mais si l’ouïe nous pousse à ranger chaque intervenant dans sa catégorie, elle subit une autre attaque, et pas des moindres par l’entremise de la musique. Juke-box eighties à souhait, les compositions de Serra, déjà peu ragoûtantes hors contexte, squattent l’image à tout bout de champ. Omniprésentes, elles soulignent, surlignent, encadrent les émotions qu’on devrait éprouver voire se vautrent dans un emploi calamiteux (Suu en déplacement dans les montagnes birmanes sur une musique rappelant celle qui suivait Enzo et son frangin dans la Topolino du Grand Bleu, comique assuré, mais était-ce le but ?).

Quant au scénario, il laisse sur sa faim les néophytes de la grande Dame. Jouant sur un montage qui alterne les époques et les lieux (Londres, Rangoon de 1988 à 2007 avec de nombreux trous temporels), The Lady n’évoque que très succinctement l’évolution politique de la Birmanie ou les tractations entre l’ONU et la junte pour se concentrer sur l’emprisonnement du personnage. Parti-pris a priori intéressant (se focaliser sur les conflits intérieurs du personnage et non sur la guerre larvée qui fait rage autour d’elle), Besson échoue toutefois à percer l’intimité de Suu. Le spectateur est coupé tout autant de l’histoire en marche derrière les murs de sa demeure, ne grignotant que quelques informations factuelles à la volée, que des pensées qui agitent l’héroïne. Cette femme est un mystère dont Besson n’a visiblement pas la clé. Les dilemmes psychologiques auxquels elle est acculée ne sont que peu mis en avant, sauf dans la dernière partie du film (la plus réussie), où Besson esquisse ce qui aurait pu composer le cœur de son sujet. Le mari de Suu, mourant, est coincé en Angleterre (les autorités birmanes lui refusant un visa). Suu se voit alors confrontée à un choix cornélien : être au chevet de son époux et soutenir ses enfants dans cette épreuve, quitte à abandonner son peuple ou demeurer à Rangoon pour continuer le combat de la démocratie, sans jamais revoir sa famille. Le film se défait (enfin) de son manichéisme scolaire lors de ce moment crucial, où la liberté potentielle de l’héroïne et ses obligations familiales se heurtent à ses convictions. Elle choisira finalement la Birmanie, embrassant définitivement son destin de figure sacrificielle d’un régime totalitaire.

Il est à déplorer que Luc Besson ne soit pas parvenu (ou n’ait pas voulu) construire son récit autour de cette tension entre personnel et universel. The Lady aurait alors peut-être pu percer l’âme de cette combattante. La singularité de son combat et sa détermination inflexible l’ont transformée en héroïne tragique, source dramaturgique intarissable. Dommage que Besson n’en ait fait qu’une énième héroïne ordinaire.

Publié sur: http://www.critikat.com/The-Lady.html

Carnage de Roman Polanski

2011-12-11T10:11:00.000-08:00

Viande avariée

Tiré de la pièce Le Dieu du carnage de Yasmina Reza, le nouveau film de Roman Polanski renoue avec l’univers anxiogène du huis clos pour un règlement de compte bourgeois entre des parents censés désamorcer un conflit qui oppose leurs enfants.

L’interdiction de séjour aux Etats-Unis qui frappe le réalisateur franco-polonais lui a sans doute donné envie de situer son métrage dans la Grosse Pomme, dont on ne verra quasiment rien (seule la bagarre des enfants se déroule dans un lieu ouvert rappelant Central Park). Carnage débute véritablement lorsque Nancy et Alan Cowan (Kate Winslet et Christoph Waltz) sonnent à la porte de Penelope et Michael Longstreet (Jodie Foster et John C.Reilly). Le petit Longstreet ayant perdu quelques dents au cours de son altercation avec le rejeton Cowan, les parents respectifs cherchent un arrangement (excuses, prises en charge des soins…) autour d’une tasse de thé et d’un clafoutis. Le vernis civilisé que les deux couples s’acharnent à conserver dans leurs échanges vole en éclat lorsque Nancy dégobille le clafoutis sur un livre d’art ornant la table basse du salon des Longstreet.

De crises d’hystérie (évidemment féminines) en lavages de linge sale matrimonial, de crêpages de chignons en messes basses, le quatuor navigue entre salon, entrée et couloir donnant au film un ton théâtral du plus mauvais effet. Car Polanski n’a pas réussi à se dégager de la dramaturgie de Reza pour la traduire en cinématographie. Les entrées et sorties des personnages rappellent les claquages de portes des mauvais boulevards, le jeu des actrices, en roue libre, s’emballe jusqu’à l’exaspération (Jodie Foster parvenant à l’exploit d’être mauvaise dans un rôle, un comble !), quant à la critique de la middle-class bobo de Brooklyn, on a connu Polanski plus acerbe et pertinent. Il enfile les clichés (Waltz pendu à son téléphone portable, Foster et son droit de l’hommisme…) avec la finesse d’un éléphant cacochyme, livrant un spectacle aussi désolant sur le fond que sur la forme.

Si Carnage il y a, il se situe dans le ratage total que constitue ce film dans la carrière du réalisateur. Après le formidable The Ghost Writer, Polanski revient aux affaires en (très) petite forme avec un métrage mineur et sans saveur. A oublier.

James Cameron, Deus ex Pandora

2011-12-03T00:53:00.000-08:00

En trois décennies, le canadien James Cameron a assis sa renommée de visionnaire. Si son premier long, Piranha 2 (1981), n’a guère marqué les esprits, sa deuxième réalisation en 1984 va révolutionner le cinéma SF.

Avec Terminator, Cameron frappe un grand coup. Une machine programmée pour tuer, le Terminator, venue du futur course Sarah Connor, sans relâche dans les rues de Los Angeles. 6 millions de budget (une paille aujourd’hui). 1h46 de pur bonheur. Pas de temps mort, une narration serrée et surtout des effets spéciaux (pour l’époque) totalement ébouriffants. Car la maestria de Cameron réside dans sa capacité à user des moyens technologiques sans perdre de vue la cinématographie. Des outils au service de son art. Stan Winston travaille à la création du cyborg (version animatronique), offrant des séquences inoubliables (la gueule de Schwarzenegger avec son œil bionique rouge, le buste du terminator rampant, avec ses doigts d’acier pour accomplir sa mission). Récompensé à Avoriaz, Terminator inaugure le règne quasi sans partage du roi Cameron sur le film fantastique.

Deux ans plus tard, alors qu’il travaille à l’écriture du scénario d’Aliens le retour, il se voit proposer l’opportunité de le réaliser. Son compagnon Stan Winston prend la tête de la seconde équipe de réalisation et le projet se met en route. Reprenant l’intrigue et les personnages de l’Alien de Ridley Scott (en ajoutant Michael « Kyle »Biehn au générique), Cameron délivre une version plus brutale où l’alien minimaliste du premier opus se démultiplie. Actionner pur jus où les effets servent la narration mais jamais ne l’alourdissent (au contraire d’un Alien vs Predator où la déferlante numérique noie le script et le public). Personne n’a peut-être entendu Ripley crier dans l’espace mais les spectateurs, eux, se sont accrochés à leurs fauteuils lors de cette chasse à l’homme épique!

En 1989, Cameron, qu’on aurait pu croire un peu assagi côté effets spéciaux, va monter d’un cran la difficulté. Alors que Aliens n’avait coûté que 18 millions, son nouveau projet va s’avérer nettement plus ambitieux (près de 70 millions de budget). En effet, plutôt que de perfectionner des techniques déjà existantes, il se lance dans l’idée folle de créer une nouvelle caméra. Pour Abyss, il veut pouvoir tourner sous l’eau. Il met alors au point avec son frère Mike une caméra révolutionnaire lui permettant d’assouvir son fantasme de réalisateur. Mais sa mégalomanie cinématographique ne s’arrête pas là. Il remplit une cuve de centrale nucléaire d’eau chlorée pour les séquences aquatiques. Il innove avec un morphing incroyable qui anthropomorphise les liquides. Plus d’argent, plus d’envie, plus de cinéma au final. Cameron parvient à mêler fantastique, onirisme et huis clos, usant intelligemment des techniques pour une histoire d’E.T. sous marins.

Homme de deux suites (Piranha et Alien), il était temps que James s’attèle à la sienne. Ce sera Terminator 2, le jugement dernier (1991). Prenant à contre-pied les attentes de ses spectateurs (le Terminator reprogrammé est devenu gentil), cette suite inaugure brillamment l’ère du morphing. Après Abyss et ses transformations de liquide, T2 se permet des scènes jamais vues alors, avec le plus gros budget de l’histoire du cinéma (100 millions de dollars). Un T1000 en métal liquide traverse les barreaux d’une prison, son bras est un véritable couteau suisse (pince, poignard…) et son physique ne cesse de se modifier. Mais une anecdote de tournage rend bien compte de l’ingéniosité de Cameron. Linda Hamilton (Sarah Connor donc) doit à plusieurs reprises dans le film être multipliée. Plutôt que d’utiliser un truc technique, il choisit la méthode Peter Jackson (on se débrouille avec ce qu’on a), et demande à la sœur jumelle de Linda de jouer les doubles. Economies d’effet, réalisme absolu à l’écran, le vrai devient indiscernable du faux. Cameron est prêt pour la phase suivante.

Après l’apéro True Lies en 1994, qui permet à Schwarzi de se refaire une santé suite à l’échec de Last Action Hero, Cameron livre, en 97, son gros film (encore un nouveau record avec 200 millions de budget), Titanic. Mettant à profit l’expérience emmagasinée lors de ces précédents tournages, il se tourne vers le mélo romantique. Pour autant, la débauche d’effets spéciaux perdure. Deux studios (la Fox et la Paramount) seront nécessaires à l’accomplissement du projet que certains envisageaient comme le risque maximum pour Cameron. Pas de robot, ni d’alien, et pourtant. Cameron et son fidèle complice Stan Winston (présent sur Aliens, Terminator 1 et 2, réalisateur du Ghost de Michael Jackson ou encore en charge des effets sur la série Manimal), ont co-fondé une compagnie, Digital Domain. C’est cette boîte, spécialisée en images de synthèse, qui se retrouve en charge des effets numériques. Grande première donc, où les figurants sont multipliés à l’infini pour les séquences de foule (départ du Titanic, chavirement du navire…). Si Cameron savait diriger son plateau avec des animatroniques, il prouve avec Titanic que le numérique se révèle un outil qu’il maîtrise tout aussi parfaitement. Film monstre, Titanic lui a permis la réalisation de prouesses techniques. La mort du commandement de bord fut ainsi filmée par Cameron en combinaison de plongée, dans une cabine en acier véritablement inondée. De la fumée des cheminées à la buée des personnages, tout a été retravaillé numériquement.

Après Titanic, Cameron se fait discret. Plus de dix ans se sont écoulés, quand le projet Avatar refait surface (le premier script date d’avant Titanic). Le réalisateur parvient à obtenir 10 millions de dollars de la Fox pour développer un nouvel équipement : une caméra HD en relief. Depuis 2000, il planche avec l’ingénieur Vince Page (directeur photo sur Avatar) sur ce procédé révolutionnaire.

AVATAR - BANDE-ANNONCE VF - JAMES CAMERON par baryla

Le principe de tournage est simple. Les acteurs sont bardés de capteurs (performance capture) qui enregistrent chaque mouvement corporel, chaque expression faciale. Ces prestations, non retouchées, sont implantées dans l’univers visuel d’Avatar (la planète Pandora). Et la caméra me direz-vous ? Elle permet à Cameron, sur le plateau de visualiser dans son œilleton en temps réel, l’acteur en avatar se déplaçant dans le décor du film. De plus, le tournage s’effectue en 3D grâce à deux objectifs filmant simultanément, reproduisant la vision humaine (profondeur de champ, volume…). Prouesse technique parfaitement hallucinante ! Cameron n’a donc pas filmé des acteurs sur un fond vert mais bien ses avatars en mouvement sur Pandora. La post-prod revient quant à elle à Weta Digital, dirigée par Peter Jackson.

Film en 3D (ou 2D pour ceux qui préfèrent), Avatar et son budget démentiel de 300 millions de dollars, outre le défi technique, ouvre une nouvelle voie à la narration cinématographique. Toutes les phases de la production s’entremêlent (tournage, séquençage, montage…), donnant au réalisateur sa place de démiurge. Si on a longtemps pensé qu’un film résultait d’un compromis, et ne ressemblait jamais à l’image que s’en faisait au préalable le réalisateur, la technologie Avatar risque de faire date en modifiant profondément les rapports entre créateur et création.

«Un film, c’est un scénario contrarié par un tournage, contrarié par un montage», disait François Truffaut. Le nouveau métrage de James Cameron fait mentir cette vérité et précipite définitivement le septième art dans le XXIe siècle.

Dans la peau de Spike Jonze

2011-12-02T15:43:00.000-08:00

Réalisateur de ciné aujourd’hui avec Max et les maximonstres, Spike Jonze a commencé sa carrière sur le petit écran, marquant l’imaginaire des adolescents à coup de clips cheap et drôles, mais pas seulement.

Quand Spike Jonze, Adam Spiegel de son vrai patronyme, commence sa carrière de clippeur, il n’est déjà plus un inconnu. Vidéaste de skateboard, sa première vidéo commercialisée en 1991 renouvelle totalement les codes du genre. Figures inédites et traitement léché le font d’emblée remarquer. En 1992, il réalise son premier clip, pour 100% de Sonic Youth, mettant en scène des skaters. Imagerie qui n’est pas sans rappeler l’univers teen et skate d’un Gus Van Sant.

Au début des 90’ donc, alors que le grunge fait un hold-up musical, et que le média MTV conquiert son statut de référence absolue, Spike, de par son parcours et ses codes culturels, apparaît comme l’homme providentiel. En 1993, The Breeders lui confie la réal de l’hymne grunge Canonball. Sa fructueuse collaboration avec les Beastie Boys commence en 1994. Culture urbaine, entre hip hop et rock, la clique de New-York et le jeune clipper s’entendent copains comme cochons. Cinq clips au final dont l’extraordinaire Sabotage, parodie assumée d’un Starsky et Hutch sous amphét. La carrière de Jonze est lancée.

Beastie Boys Sabotage par e-boueur

Sa culture urbaine de skater lui offre le meilleur lieu de tournage : la rue. Vivante, imprévisible, colorée, elle devient le lieu de prédilection de ses clips les plus remarqués. It’s oh so quiet où Bjork, dans une chorégraphie largement inspirée de Jacques Demy, déambule sur un trottoir. Les passants devenant des danseurs, acteurs et non plus seulement figurants. Da Funk de Daft Punk, où l’homme plâtré à la tête de chien balade son Sound System dans les rues de New-York. Praise you de Fat Boy Slim, tourné devant un centre commercial sans autorisation, sorte de séance aérobic géante. Quand le dedans devient visible, s’offre à la vue de tous, le téléspectateur convié tel un passant à s’arrêter quelques instants pour découvrir cette drôle de saynète.

Bjork - Triumph of the heart par Alexander_Band

Car Spike Jonze est un faiseur de spontanéité. Alors que des éléments extraordinaires sont présents à l’écran (Bjork partageant sa vie avec un chat dans Triumph of the heart), seul domine le naturel, la candeur. Le court-métrage We were once a fairy tale avec Kanye West ne dément pas ce parti pris. Le chanteur y joue son propre rôle, enivré dans une boîte de nuit, pathétique de mégalomanie jusqu’au moment où, s’ouvrant le ventre, il en sort un petit animal (son ego ?) qui se suicide.

Naïf, éternellement gamin, Spike Jonze le prouve aussi en intégrant très souvent des animaux dans ses clips. Sorte de bestiaire enfantin plein de peluches, il égrène les bébés animaux pour Island of the sun de Weezer, crée une créature mi-homme mi-cocker pour Daft Punk, marie l’islandaise Bjork à un charmant félin…Peut-être que son expérience ado de photographe l’a marqué (il photographiait les poissons et aquariums de l’animalerie de sa ville natale).

Daft Punk - Da Funk par jyk

Spike Jonze rêve des contes où l’absurde flirte avec la douceur, au coin d’un boulevard. Des skaters et des chats, des trottoirs où un boulet de canon peut percuter une fille très Broadway, un monde moins ouvertement onirique que Michel Gondry (dont il a produit Human Nature) et pourtant follement décalé. Le monde d’un ado qui a refusé de grandir, qui ricane devant Jackass (qu’il produit), et s’attendrit face à un chaton. Le monde selon Jonze…

Dog Soldiers de Neil Marshall (2002)

2011-11-30T11:49:00.000-08:00

Militaires VS Loup-garou

Pour son premier film (avant The Descent), Neil Marshall se frotte à un film de genre, et pas des moindres, le film de loup-garou.

Une escouade de militaires en exercice dans la forêt britannique se retrouve par hasard sur le territoire d’une meute de loups-garous. Inopinément aidés par une zoologiste, les soldats se réfugient dans une maison isolée. Entraînés à tuer, ils vont comprendre bien vite que leurs armes ne leur seront guère utiles face à la détermination et l’intelligence des prédateurs qui rodent.

Si le long métrage de Marshall a une qualité, c’est de se démarquer des habituels poncifs des films de loups-garous pour livrer un survival frontal. Pas d’explications ésotériques, pas de références à la mythologie, si ce n’est la pleine lune. Les soldats sont bas du front, ils ne se posent pas de question, veulent seulement défourailler du lycanthrope. Et ça tombe bien. Quand on mate Dog Soldiers, on est plus près d’un Predator (pour la partie chasse en milieu hostile) sans la maestria de McT quand même, et d’un Evil Dead (pour les séquences où cloîtrés, les personnages se font assiéger). Sans être gore à outrance, le film se permet toutefois des séquences où des intestins se font la malle du ventre de leur propriétaire, où on recolle le dit ventre avec de la super glu, où on abat un chien sans raison (et on en vient à se dire « pauvre clebs » !).

Mais l’idée géniale de Marshall, qui permet d’être moins regardant sur la mise en scène peu inventive voire bâclée, c’est la physionomie de loups-garous. Loin d’un John Landis qui mettait la bête à quatre pattes, Neil Marshall les fait se lever sur leurs pattes, et quelles pattes. A vue de nez, les lycans dépassent les deux mètres. Montés sur des plates-formes shoes (des pompes de drag queen), ils sont tout à la fois parfaitement effrayants et incroyablement fascinants. Leurs déplacements en meute (en famille pour être exacte), debout, instille une forme de poésie. Créatures qui ne renient pas leur appartenance au genre humain, les loups-garous de Marshall représentent le chaînon manquant entre le loup et l’homme, le mix parfait de l’animalité humaine. D’ailleurs, le réalisateur se permet même d’expédier la tant attendue transformation physique. A peine des dents qui s’allongent que le personnage bascule derrière un meuble et se redresse quelques instants plus tard, métamorphosé en loup surpuissant. L’important n’est pas de montrer la bête qui apparaît sous les traits de l’homme, la peau remplacée par les poils, les dents par des crocs. Au contraire l’absence de cette scène insiste sur l’absence de réelles modifications. Le loup est toujours dans l’homme, au spectateur d’imaginer le morphing (et puis ça fait des économies dans un film à budget restreint).

Dog Soldiers n’est peut-être pas un film de loup-garou conventionnel, mais la puissance d’évocation des monstres qu’il donne à voir, imprègne longtemps la rétine du spectateur. Tous les loups-garous ultérieurs se mesurent à l’aune de ces lycans magnifiques, et c’est déjà beaucoup.

Suites, préquelles, remakes...

2011-11-28T16:49:00.000-08:00

L’imagination au pouvoir ! On peut toujours rêver…

L’année 2009 commence sur les chapeaux de roues. Si vous aimez les chiffres vous allez être servis.

Les succès du box office : Madagascar 2, le Transporteur 3, Saw 5, High School Musical 3…et on attend pour 2009, La Panthère rose 2, Banlieue 13 ultimatum (ca évite les nombres ca fait plus sérieux), Underworld 3, Fast and Furious 4, la nuit au musée 2, Terminator Renaissance (le 4 quoi), l’âge de glace 3, Transformers la revanche, Iron Man 2…On dirait une liste pour le loto…

Si on rajoute à cela les biopics (Coco Chanel, Notorious Big, Nelson Mandela), les adaptations de jeux vidéo (Prince of Persia est prévu pour le printemps 2010) et les remakes américains des films qui ont cartonné il y a quelques mois (genre Morse) ou quelques années (Vendredi 13, The Thing, Invasion Los Angeles, un Freddy serait même en préparation) on peut constater que l’originalité n’est pas franchement de mise.

Evidemment, la vision mercantile de l’art cinématographique qui domine les studios américains n’est pas étrangère à ce phénomène. Mais si la production semble si passéiste c’est aussi sans doute que les spectateurs y prêtent le flanc. Pourquoi tant d’intérêt pour l’ancien, pour des figures déjà éprouvées ? Le cinéma deviendrait-il un art mortifère, archéologique, fasciné par lui même ? L’éternel retour en somme.

Les suites squattent nos écrans comme des excroissances malignes. Au moins quelqu’un qui sortirait d’une période de coma ne serait pas dépaysé. Toujours les mêmes titres sur les affiches, et les mêmes articles sur les mêmes thématiques. Brillant, non ?

Ces sequelles nous permettent de retrouver des personnages aimés ou détestés mais connus. Dans un monde où l’inconnu social ou économique fait rage, il est bon de pouvoir se reposer sur des valeurs sûres, des figures quasi familiales, intégrées. Du coup le spectateur se sent appartenir à une communauté. Il va au cinéma en confiance, sans plus prendre de risques (n’en prend-il pas déjà assez dans sa vie réelle alors pourquoi s’enfoncer en plus dans le fictif ?) Il sait déjà qui, quand, où et pour le quoi, soyons franc les scénaristes (c’est à se demander si ils sont encore en grève) ne font que le minimum syndical.

Nouvelle mode à signaler le spin-off (la télé contaminant progressivement le ciné, les codes de l’une deviennent les modi operandi de l’autre). On attend ainsi Wolverine (si ca vaut Catwoman on va en avoir pour notre argent…) Encore une fois restons en terrain connu.

En ce qui concerne les remakes de films d’horreur (mais cela reste valable pour le cinéma dit « classique »), la mécanique est sensiblement la même : la reconnaissance de ces archétypes qui ont jalonné notre adolescence (Michael Myers, Jason Vorhees ou Mr Krueger pour ne citer qu’eux). Retour à une forme de nostalgie, de mélancolie. On récupère, on dépiaute, on recolle. Faire du neuf avec du vieux. Pour l’instant ca sent surtout la vieille soupe réchauffée, pas très appétissante. Qui peut se pâmer devant Fog quand on a tremblé devant l’original? Le problème des remakes ne réside pas dans le fait de refaire des films mais de ne pas actualiser leur discours. Ainsi la subversion, le discours social critique, présent par exemple chez Carpenter, n’est pas updaté dans les remakes, il ne correspond en rien à nos interrogations contemporaines. Pourtant il y en aurait à dire, à montrer, à stigmatiser.

Pire que cela, ne trouvant pas d’originalité dans le propos, les prod (ou les réal, la faute doit être partagée) préfèrent carrément le gommer, le faire disparaitre. Ne reste alors qu’une coquille vide, dont la substance a été versée en pertes et profits. Ainsi du Zombie de Romero devenu l’Armée de mort chez Snyder. Reste le fun, les scènes gore mais la charge critique, elle, s’est évaporée.

Juste de l’image sans signification. Or, le sel des grandes sagas et des classiques de l’horreur des années 80, en dehors de leurs qualités cinématographiques était surtout leurs points de vue sur la société américaine, dévoyée (Halloween), consumériste (Invasion Los Angeles), incapable d’être adulte et responsable (Les griffes de la nuit). Quelle déception de ne garder de ces films que l’hémoglobine, l’utilisation d’armes plus fantaisistes les unes que les autres, ou les screaming queens. Mais notre monde n’est-il pas cela ? Un estomac qui digère les images en annihilant leur portée, leur signification. Du sang pour du sang. Lors du grand boom des films de genre (fin 70 et années 80) les tensions sociales fortes aux USA ont produits des films politiquement incorrects (Massacre à la tronçonneuse par exemple), alors qu’aujourd’hui dans un contexte beaucoup plus larvaire et tiède, les films ne sont plus que divertissants. Au diable la symbolique, le second degré.

Triste panorama d’un art qui s’autocite et donc se parodie jusqu’à l’écœurement, qui est fasciné par ses propres créations anciennes et qui faute d’imagination et de créativité tire les vieilles ficelles aux vues et au sus de tous sans générer la moindre plainte. Car les moutons vont au ciné, la bave aux lèvres, en sortent satisfaits comme après un burger déjà prémâché mais comme on en connait le goût pourquoi chercher du neuf et prendre le risque d’être déçu ?

Toutefois, le ciné est l’art du mouvement, de l’insaisissable, la marque du temps qui passe qu’on cherche à effacer, à amoindrir, à contrôler. Heureusement, certains dissidents, et pas des moindres, s’attaquent à du jamais filmé. Alors en attendant Avatar (le 16 Décembre 2009) de James Cameron ou Lovely Bones (le 27 Janvier 2010) de Peter Jackson, il vous reste bien quelques vieilles copies vidéo à mater ou une séance ciné un peu risky à oser. Rien ne vaut l’original face à la copie, la créativité face à la paresse.

Black Water, Rogue: les crocodiles ont le bon rôle

2011-11-28T02:04:00.000-08:00

Le croco a la côte.

Pas franchement fan des reptiles movies en général (Anaconda, Snakes on plane, très peu pour moi), j’avoue un petit faible pour le saurien préhistorique.

Tout a commencé en 1987 par la diffusion française de La Vengeance aux deux visages (les lecteurs trentenaires se rappelleront sans mal cette inénarrable série). Téléfilm australien, cheap et toc, ultra années 80, La Vengeance aux deux visages (je ne me lasse pas de l’écrire !) met en scène une héritière moche et naïve qui épouse un tennisman beau, arriviste et sans scrupules (plus cliché tu meurs). A la faveur d’une balade dans les marécages, lors de leur lune de miel, le mari balance sa femme par-dessus bord, droit dans la gueule de crocodiles affamés. Scène éprouvante où la jeune femme se fait dévorer sous les yeux de son ordure de mari, sourire sadique aux lèvres. Je passe la trame de la vengeance (elle est défigurée, mais grâce à la chirurgie esthétique, elle devient top model et se venge!), l’important c’est le background, le décor, le paysage. La mangrove, la chaleur, les marais. Et évidemment les crocos. On les voit ponctuellement scander de leur apparition la série, comme incarnant à la fois l’âme sauvage de l’Australie et la bestialité des hommes, leurs tendances prédatrices et leur violence.

Ce furent mes premiers émois de spectatrice. Voir ces grosses bestioles déchiqueter, arracher, dépecer leurs victimes. L’homme devenant la proie (moteur des Dents de la mer de Spielberg) ne cesserait dès lors d’être mon graal cinématographique.

Après le décevant Crocodile de la mort de Tobe Hopper, je pensais ne plus revoir un croco bien flippant à l’écran avant longtemps. Primeval ou Lake Placid ne m’ont clairement pas fait changer d’avis.

Mais Greg McLean ne l’entendait pas de cette oreille. Après le remarqué Wolf Creek, le réalisateur décide donc de se pencher sur une puissante mythologie australienne : le crocodile mangeur d’hommes. Rogue (Solitaire en français) a réactivé mes peurs (et mes émois). Une rivière, un bateau, des touristes et un monstre tapi dans les profondeurs. Intelligent, McLean évite de montrer l’animal, préférant des plans où l’on devine sa présence. Exemple, un touriste disparaît soudainement du cadre, de légères vaguelettes rident la surface de l’eau, on entraperçoit le bout de la queue du saurien. Rien de tel pour vous coller à votre fauteuil. Malheureusement, McLean pêche par excès (le croco a une taille surréelle, son agressivité est douteuse), ou par consensualité (les héros ne meurent pas, comme si le croco évitait de dézinguer consciemment Michael Vartan et Radha Mitchell). C’est eux qui sont bankables, alors on peut les égratigner mais pas les faire crever, et c’est bien dommage.

Solitaire – Extrait 1 VF par UGCDistribution

Dans le genre effrayant (et plus frontal), direction un autre film australien : Black Water. Dispositif minimaliste là où McLean bénéficiait de moyens conséquents pour son métrage. Trois jeunes gens, deux frangines et le petit ami de l’une d’elles, se font un trip australien classique : ferme de crocodiles, balade sur une rivière (encore !) et, pour mon plus grand plaisir, rencontre inopinée avec un croco. Une fois le bateau inutilisable et nos trois héros accrochés à un arbre, la fête commence. Invisible, le saurien est toutefois salement présent. Une scène nocturne se révèle un bonheur de terreur. Nuit complète (écran noir), des éclairs, par intermittence nous font découvrir la panique des jeunes filles, et un bruit sordide emplit brusquement l’espace. L’oreille tendue, on cherche à en déterminer l’origine : les griffes du gros lézard qui se plantent dans l’arbre pour aller dénicher ses proies ? Non. Le bruit des os humains écrasés, concassés par les dents affûtées de la bête. Glaçant. Andrew Traucki et David Nerlich parviennent avec astuce et frugalité à offrir un grand film, inspiration directe des leçons de Jaws : moins on en voit, plus on a peur.

Alors avec fébrilité et impatience j’attends le nouvel opus de Traucki, The Reef, qui par l’entremise d’un scénario quasi équivalent à Black Water (un petit groupe d’individus va devenir la proie d’un prédateur) attaque l’autre mythe australien par excellence : le requin. Miam…

Le jour de la Bête de Alex de la Iglesia

2011-11-27T09:32:00.000-08:00

Il est né le putride enfant…

Sorti en 1995, Le jour de la bête est le deuxième long métrage de l’espagnol fou furieux après Action Mutante (1992).

La veille de Noël, un prêtre ayant réussi à transcrire un code qui annonce la naissance de l’antéchrist quelque part dans Madrid se rend dans la capitale. Son plan est simple : faire tout le mal possible pour être repéré par Lucifer lui-même, découvrir ainsi le lieu de la diabolique Nativité et empêcher la fin du monde. Vaste programme !

Il trouve refuge dans une pension qui n’est pas sans rappeler l’atmosphère déglinguée de Mes chers voisins. Aidé dans ses démarches par un hardos débilitant mais serviable et un présentateur télé genre medium totalement kitsch (une des grandes forces du film tient dans les extraits télé du gonz, hilarants), le prêtre traverse le désert. Jusqu’à l’idée de génie : organiser une messe satanique ! Dans un salon bourgeois, un pentacle au sol et sous LSD, ils vont voir…

Autant dire que pour un film de Noël, c’est grossier, méchant, sale donc totalement indispensable. Mêlant humour trash, références geek, scènes d’action et sapins de Noël, La Iglesia nous offre un grand n’importe quoi poussif donc jouissif.

Le film hésite durant la première heure. Le curé est-il totalement taré ou le diable existe-t-il bel et bien ? Cette question est réglée dans le final lors d’une apparition du Malin, malheureusement datée en terme d’effets spéciaux. Queue fourchue, sabots et cornes, la totale !

Mais La Iglesia instille aussi une critique de sa société, raciste, intolérante. Madrid est aux prises, durant cette période de festivités, à un groupe qui attaque et immole des SDF. On assiste aussi à une scène d’arrestation musclée de quelques immigrés. Belle croyance que Noël, dans un monde où on s’offre des cadeaux autour d’une dinde fumante tout en fermant les yeux sur la misère environnante. Alors on se marre devant la Bête mais on réfléchit aussi aux valeurs chrétiennes (compassion, amour de son prochain, générosité) auxquelles on s’accroche tout en étant des ordures individualistes. Belle morale !

La scène culte nous est offerte dès le début. Le générique du Jour de la Bête est juste formidable. Le curé arrive à Madrid et met son plan à exécution : être méchant. On le voit ainsi errer dans les rues. Il s’arrête devant un mendiant et lui vole ses sous. Passant sur les lieux d’un crime, il offre les derniers sacrements à une victime avant de l’insulter et de lui taper son porte feuille. Il fait valdinguer un mime dans une bouche de métro. Gratuit, immoral, très esprit de Noël !

La scène d’invocation du démon se transforme, elle, en trip psychédélique. Il faut du sang de vierge (pas facile à trouver à Madrid dans les 90’), des hosties (personne n’en a, alors du LSD fera l’affaire) et normalement le diable apparait. Sauf que gavés de drogues hallucinogènes, nos trois héros ne ressemblent pas vraiment aux rois mages.

Le Jour de la Bête, avec chants de Noël, sapins et spiritualité est définitivement un film à voir en Décembre. Crises de rire et hystérie assurées entre deux parts de bûche…à ne pas louper.

David Fincher ou l’heure numérique (Capricci)

2011-11-21T06:50:00.000-08:00

Réaliser l’irréel

Si son dernier métrage, Social Network, prend pour thème de réflexion l’univers virtuel de Facebook, David Fincher a depuis longtemps jeté son dévolu sur les technologies numériques. De Seven à L’Etrange Histoire de Benjamin Button, sa filmographie regorge d’images de synthèse, d’effets spéciaux et de trucages numériques. Ce lien indéfectible qui le rattache à cette dématérialisation progressive des moyens cinématographiques (tournage sans pellicule, montage numérique et projection à l’avenant) a donné naissance à quelques uns des films les plus marquants de ces quinze dernières années. Guillaume Orignac tente de mettre en lumière dans l’ouvrage David Fincher ou l’heure numérique l’obsession du réalisateur pour cette technique et les modifications qu’elle engendre sur les enjeux de mise en scène.

Fincher est considéré comme un réalisateur classique au sens où son cinéma se réfère aux grands genres de la tradition hollywoodienne : le polar (Seven), le huis clos (Panic Room), la fresque romanesque (Benjamin Button) ou encore le film de procès (Social Network). Cet apparent classicisme de fond se dote toutefois d’une forme pour le moins novatrice. Tout chez Fincher fait sens numériquement. Les couleurs dévitalisées pour atteindre une ambiance chromatique irréelle invite le public à une scène hallucinatoire, onirique voire cauchemardesque (séquence de fin de Seven), les objets s’animent par des plans impossibles (la traversée d’un mur ou une clé dans une serrure dans Panic Room), jusqu’à des effets de surimpression qui indiquent la complexité d’un monde où des myriades de symboles se superposent (l’algorithme de Social Network). Les exemples d’intervention numérique en post prod sont légion et servent avec minutie les visées de Fincher.

Guillaume Orignac, l’auteur de cet essai, propose ainsi un tour des grands chantiers numériques ouverts par le metteur en scène. Malheureusement, l’ouvrage se compulse plus comme un précis (intéressant mais succinct) des thèmes de prédilection de Fincher (l’insomnie, l’horreur contenue dans la banalité du quotidien, l’esthétique de l’obscurité…) que comme une véritable mise au point quant à la technique numérique à proprement parlé. Très (trop) littéraire et finalement peu cinématographique, l’analyse d’Orignac oublie d’évoquer les changements qui interviennent lorsque le numérique prend le pouvoir. En effet, le « tripatouillage » numérique de Fincher ne se contente pas de modifier les arrière-plans ou les décors mais contamine en amont la mise en scène. Abordés par petites touches, ces tours de force techniques ne sont guère étudiés. Peu ou pas d’exploration quant au sens de ces choix. Comment modifient-ils notre perception du monde cinématographique ? En quoi cet hyper-réalisme révolutionne les codes de la narration ? Fincher est-il un technicien du septième Art ou bien un artiste numérique ? Autant de questions qu’on aurait aimé voir abordées dans David Fincher ou l’heure numérique et de réponses qui nous manquent pour mieux comprendre ce cinéaste contemporain.

Reste un essai honnête mais superficiel, dont le titre paraît finalement bien loin du contenu. Idéal pour découvrir le travail de Fincher, il demeure faible au regard des questions soulevées par cette technologie parfois invisible et ô combien signifiante. Si L’Heure numérique laisse sur sa faim, un autre ouvrage publié récemment par Capricci, En un clin d’œil de Walter Murch (monteur son et image de Francis Ford Coppola), fera la lumière avec pédagogie et intelligence sur cette immense révolution nommée numérique.

Publié sur: http://www.critikat.com/David-Fincher-ou-l-heure-du.html

Sinking of Japan de Shinji Higuchi

2011-11-21T06:48:00.000-08:00

MADE IN JAPAN

Opportunément édité aujourd’hui en France pour “surfer” sur le terrible séisme qui a endeuillé le Japon en avril 2011 (une promo à peu de frais), Sinking of Japan n’était en aucun cas un coup marketing dans son pays d’origine mais bien le maillon d’une longue tradition mettant en scène la destruction partielle ou totale de l’archipel. Sorti en 2006 (remake d’un film de 1973, lui-même adapté du best-seller de la même année, La Submersion du Japon de Komatsu Sakyo), ce film catastrophe jusqu’auboutiste, qui annonce la disparition imminente du Japon sous les eaux de l’océan Pacifique, joue avec les peurs inhérentes à la géographie nippone sans retenue, ni pudeur. Tous les cas de figure sont envisagés (tsunamis, séismes, éruptions volcaniques…), avec une ampleur démentielle (vague de trente mètres, Mont Fuji prêt à exploser sous le magma…) pour un spectacle parfaitement apocalyptique.

Alors que les Américains pratiquent la catastrophe depuis les débuts du cinéma (King Kong piétinant New-York), ils ne sont pas pour autant à l’aise avec le traitement de leurs propres désastres. Le gommage des tours jumelles de nombreux films juste après le 11/09 (la bande-annonce de Spiderman en a fait les frais à l’époque) ou l’absence de films sur Katrina (il faut chercher du côté séries pour trouver des exemples, comme Treme), venant de ceux qu’on considère comme les plus aptes à puiser dans leur histoire contemporaine pour alimenter la machine à rêves, en dit long sur leur capacité à créer de la fiction destructrice, tant qu’elle se tient éloignée de leur réalité. Les Japonais en revanche embrassent leurs tragédies et ne craignent pas de les plaquer sur les écrans, sans doute pour exorciser le mal et mieux le surmonter. Des Kaiju Eiga (films de monstres à la Godzilla ou Gamera) aux simples films catastrophe, les deux grandes peurs nippones, que sont le nucléaire et les forces de la nature, jouent les premiers rôles et Sinking of Japan ne fait pas exception à la règle.

Pour le scénario, soyons concis (les scénaristes l’ont été eux aussi) : un scientifique tombe amoureux d’une secouriste. Mais il doit sauver le monde (et elle aussi), l’issue fatale de leur histoire d’amour est donc prévue. Vient se greffer à ce timbre scénaristique, une enfant orpheline, un océanographe tendance Cassandre (mais bien sur, personne ne le croit), un premier ministre pleutre et les membres d’une famille joyeusement fatalistes. Evacuant les enjeux politiques et sociaux de son film (ce qui était le cœur de l’original en 1973), le réalisateur évite de traiter de cette migration logistiquement impossible (vider un pays en un an), des choix politiques induits par cette réalité, ainsi que des réactions alentour face à cette immigration massive (la relation complexe entre la Corée et le Japon est ainsi expédiée en une scène).

Que reste-t-il à se mettre sous dent me direz-vous ? Une vision cauchemardesque de fin du monde dont les effets spéciaux n’ont rien à envier aux blockbusters américains. Villes rayées de la carte avec images satellite à l’appui, explosions volcaniques dantesques, scènes de panique géantes, les aficionados de la destruction en auront plein les mirettes. Le réalisateur Shinji Higuchi, responsable des effets spéciaux sur Gamera, montre sa maîtrise technique. Si la mise en scène des séquences hors crise se révèle assez plate (aucune originalité n’est à déclarer), les tremblements de terre et autres joyeusetés explosent sur l’écran. Les scènes où la Nature se déchaîne ressemblent à ce qu’on peut imaginer d’une telle catastrophe. Mais le flot d’images aériennes sensées en rendre compte, déshumanise le film, pour se concentrer sur son ampleur et non sa perception physique. On reste donc quelque peu étranger au malheur, comme un insecte survolant une zone mais ne ressentant presque pas ce qui se déroule au sol.

Quant au traitement spécifiquement nippon, il diverge des visions hollywoodiennes par l’état d’esprit des victimes. Habitués aux cataclysmes, les personnages prennent leur destin avec philosophie, voire même avec une certaine désinvolture (une séquence de barbecue dans un camp montre les protagonistes rire de leur « infortune »). Malheureusement, Sinking of Japan n’évite pas le happy end (le Japon s’en sort finalement) par l’entremise du sacrifice d’un homme, la fameuse figure du sauveur donnant sa vie aux forces de la nature pour apaiser le « monstre ».

Navigant entre traitement occidental (tout finit bien) et philosophie orientaliste (mourrons avec dignité et en silence), Sinking of Japan se regarde sans déplaisir et offre une contrepartie aux tombereaux catastrophistes d’outre-Atlantique. Comme quoi Hollywood n’a pas le monopole de la fin du monde.

Publié sur: http://www.critikat.com/Sinking-of-Japan-edition-DVD.html

Back to School

2011-11-08T03:42:00.000-08:00

Retour sur la rentrée littéraire

Ah, la rentrée… Ses nouveaux bouquins qui font frétiller les ventes et les journalistes qui les vantent. Cette période annuelle où il est tout d’un coup de bon ton de parler littérature, premiers romans, alors que le reste de l’année, on se vautre devant la télé sans même assez d’énergie pour compulser un Marc Lévy. En Septembre, si les gamins retrouvent les bancs de l’école, les adultes eux traînent dans les librairies, liste à la main pour dégoter le coup de cœur de Télérama, la révélation de Libération ou pour les plus téméraires, le conseil du Masque et la Plume. Culture oblige, chez Gonzaï, on écrit mais on sait lire aussi. Alors quitte à parler papier (cette vieillerie attaquée par le numérique), autant y aller franchement et distribuer dès maintenant les bons points et les bonnets d’âne de cette rentrée.

Beigbeder, peut mieux faire.

On commence par appeler au tableau l’élève Beigbeder ! Venant de celui qu’on a un temps considéré comme la nouvelle plume française, cynique et érudite, son dernier travail rendu, Premier Bilan après l’apocalypse (Grasset), frôle le redoublement. Métamorphosé en Jean d’Ormesson trendy, Beigbeder refait le coup de la liste. Il y a dix ans, il commentait les cinquante livres les plus marquants pour les lecteurs du Monde (Dernier inventaire avant liquidation), ambition littéraire un peu frelatée. Aujourd’hui il nous livre sa propre sélection des cents bouquins incontournables du XXe siècle. Autant dire qu’il enfile surtout des évidences (Ballard, Miller ou Salinger). Et quand il semble pertinent (Ellis, Adrien), il a juste vingt ans de retard ! Agrémenté d’une mini bio de chaque auteur, son « essai » sent le coup éditorial, entre une notice Wikipédia et un guide à l’attention des branleurs qui ne veulent pas faire l’effort de fouiner par eux-mêmes et préfèrent suivre les préceptes de l’homme adoubé par les médias. Malheureusement, ils risquent d’être nombreux ces lecteurs du dimanche qui s’achètent une culture pseudo-décalée pour moins de vingt euros.

Shakespeare, élève motivé, très bons résultats.

Passons à l’élève Nicolas Shakespeare. Avec un patronyme pareil, la barre est haute pour ce romancier anglais. Dans Héritage (Grasset), on apprend comment un type lambda se retrouve à la tête de plusieurs millions de livres en se trompant d’enterrement. Excavant le passé du défunt pour élucider le mystère de cette succession hors norme, le roman s’attèle à décrypter la construction d’un mensonge familial dévastateur. Si le pitch peut inspirer méfiance, le style du britannique fait merveille. Drôle, émouvant, épique et introspectif à la fois, voilà une copie qui mérite qu’on s’y arrête !

Filloy, fantasque mais très motivé.

De son Argentine natale, Juan Filloy a conservé une exubérance haute en couleurs. Son roman Op Oloop (Mr Toussaint l’ouverture) narre dix-neuf heures et dix minutes de la vie du statisticien finlandais Optimus Oloop. Chronique d’un homme à la vie millimétrée qui va péter un plomb, le roman rappelle Sous le volcan pour le motif de l’errance (Optimus traîne sa carcasse dans les rues de Buenos Aires). Un poil abscons à la lecture, le bouquin oblige à la concentration, mais comme il n’y a pas de plaisir sans effort…vous savez ce qui vous reste à faire !

Burnside, un peu rêveur mais de sérieuses prédispositions.

Dans Scintillation (Métailié), John Burnside nous invite dans l’Intraville. Cité industrielle construite dans le giron d’une usine chimique aujourd’hui désaffectée, l’Intraville se meurt. Population contaminée par des rejets toxiques, enfants qui disparaissent mystérieusement, un seul flic pour gérer le marasme, autant dire que le titre du roman fait plus écho au style du livre qu’à l’ambiance qui y règne. Navigant entre une enquête trouble et des personnages brutaux, la lecture ressemble à une plongée en apnée. Attention à la suffocation qui guette parfois le lecteur face à des passages trop répétitifs (certaines scènes violentes), mais une plume à suivre.

Bortnikov, electron libre doué.

Repas de morts (Alllia), le premier roman (en français) de Dimitri Bortnikov lorgne clairement vers l’intime, vers les morts qui jalonnent une existence, la sienne. Sa mère, retrouvée raide sur un trottoir, sa grand-mère, babouchka silencieuse, son grand-père, soldat des deux grandes guerres du siècle, son père, déjà mort à ses yeux et un cortège de putes, de crève la faim et de troufions de l’Armée Rouge. Dans une langue hallucinée, bourrée des saillies lexicales et syntaxiques à frémir (« Deux ans de pôle Nord. Deux ans sur les rives du Styx glacé. Blanc à perdre la vue. Glaces…Je transe. »), l’audace de Bortnikov confine au génie. Une insurrection verbale permanente !

Liberati, travail soigné, élève assidu, félicitations.

Simon Liberati n’a pas raté sa rentrée. Son roman biographique Jayne Mansfield 1967 (Grasset) réussit le challenge impossible de raconter une légende sans user de superlatifs fatigants (travers habituel des bios laudatives) ou de détails triviaux (travers des bio non autorisées). Au contraire, il brosse un portrait humain de la bombe peroxydée, par le biais de trois moments de sa courte existence : sa rencontre avec le fondateur de l’Eglise de Satan, la première d’un festival à San Francisco et l’accident. Sex-symbol absolu, « reine du plan média sauvage », Mansfield a inventé la star pour tabloïd, Liberati lui rend enfin l’hommage qu’elle mérite et fait de sa vie une œuvre littéraire XXL.

Alors que la rentrée s’éloigne déjà, la période des prix littéraires (autre marronnier commercial) pointe son nez. L’occasion d’un panorama sur les bouquins qui ne seront jamais élus dans ces grand-messes autoproclamées, mais qui méritent pourtant d’être lus…

Publié sur: http://gonzai.com/rentree-litteraire-back-to-school/

Poulet aux prunes de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud

2011-10-26T08:01:00.001-07:00

Une volaille qui tourne au vinaigre

Après avoir adapté sa bande-dessinée Persepolis avec son acolyte Paronnaud, Marjane Satrapi remet le couvert avec Poulet aux prunes, un autre de ses albums. Elle abandonne cette fois l’animation pour un métrage en «vrai », épaulée par une pléiade d’acteurs (Mathieu Amalric, Chiara Mastroianni, Isabella Rossellini, Edouard Baer…) pour une virée dans le Téhéran des années 1950.

Nasser Ali Khan (Mathieu Amalric), violoniste génial dont l’instrument est réduit en miettes lors d’une dispute conjugale, décide de mettre fin à ses jours. Alors qu’il attend la mort (qui se manifestera sous les traits d’Edouard Baer), il se remémore les étapes marquantes de sa vie et le point d’origine de son mal-être : son amour perdu quelques décennies plus tôt.

Si Persepolis revendiquait une épure visuelle (noir et blanc et restitution parfaite du dessin original), Poulet aux prunes s’aventure sur le terrain de la réinterprétation incarnée. Mal lui en a pris. Malgré un univers esthétique plaisant, la narration molle du film déçoit. Chaque flashback qui ramène Nasser à son passé use d’un code cinématographique (et pictural) particulier : la sitcom, le conte des mille et une nuits, le film muet… Cet inventaire de formes, réussi techniquement, s’avère malheureusement une suite de vignettes décousue qui ne font pas à un film (symptôme du dessinateur devenu réalisateur). Alors que l’émotion devrait étreindre le cœur du spectateur face à cette histoire d’amour impossible (un cliché cinématographique et littéraire mais certains en ont fait des chefs d’œuvre) et la mort comme seule échappatoire, c’est plutôt la lassitude qui l’emporte. Lassitude de situations attendues, lassitude d’une psychologie de personnages taillée à la serpe, et finalement ennui à tous les étages.

La mise en scène d’un film ne repose pas sur les mêmes règles que l’architecture d’une BD. Marjane Satrapi l’apprend à nos dépens. Si l’envie de la lire perdure, la curiosité face à son travail de réalisatrice lui, s’étiole.

Poulet aux prunes Bande-annonce par toutlecine

La cinémathèque à l’heure de Metropolis de Fritz Lang

2011-10-19T10:45:00.000-07:00

Bright lights, big city

Alors que les questions autour de la déshumanisation du travail, de la disparité des richesses et de leur injuste répartition hantent les sociétés capitalistes, la Cinémathèque met à l’honneur l’œuvre séminale et magistrale de Fritz Lang, Metropolis, dont l’actualité et la pertinence font froid dans le dos. Dans une exposition exhaustive, qui balaie les trois cents jours de tournage nécessaires à l’accouchement du film, on croise tour à tour la femme-robot, des croquis de la ville-monstre ou les partitions de Gottfried Huppertz, tout cela ponctué de la version (enfin) complète du film. Alors plaisir cinéphilique ou simple catalogage d’archives ?

Le making-of

Tout spectateur de Metropolis s’est légitimement demandé comment Fritz Lang avait réussi l’exploit technique et humain de réaliser ce chef d’œuvre. Cette machine de guerre nommée Metropolis (25000 figurants, 750 acteurs, plus de 500 pages de scénario…) excite l’imagination et c’est cette curiosité qu’assouvit l’exposition organisée par la Cinémathèque du 19 octobre 2011 au 29 janvier 2012. Dans une scénographie thématique, organisée selon six « chapitres » (la cité des fils, la ville ouvrière, la ville haute, le laboratoire de Rotwang, les catacombes et la cathédrale), le public est invité à découvrir les coulisses du chef d’œuvre. De nombreuses photographies inédites illustrent l’ambiance sur le plateau et donnent à voir le réalisateur au travail. On y découvre comment Fritz Lang compose ses plans, quelle caméra il privilégie… Quant aux questions induites par les « trucages » et autres trouvailles qui ont rendu Metropolis possible, elles trouvent une réponse au fil de la visite. L’architecture complexe de la ville futuriste, par exemple, faite d’avions qui traversent l’espace, de voies suspendues encombrées de véhicules en mouvement et de faisceaux lumineux quadrillant l’image, est ainsi expliquée simplement, devenant compréhensible pour les novices. Aucunement démythifié par ces éclaircissements techniques, le film impressionne autant par la créativité débordante qu’il a décuplé au sein de l’équipe que par les difficultés inhérentes à l’époque de sa conception. Une leçon de cinéma XXL. Au gré de la déambulation (bémol de cette exposition dont le parcours de visite n’est pas clairement établi), on apercevra une réplique du robot féminin ou les têtes sculptées de la mort et des sept péchés capitaux. Très intéressante sur les détails de tournage, l’exposition Metropolis pèche toutefois à mettre en résonnance les grands thèmes du film ou ses spécificités techniques. S’en suit une balade agréable mais finalement un peu vaine. Comme ces making-of en fin de DVD qui entassent les archives mais ne parviennent pas à les transcender.

Le film

Si la soif du public pour les « anecdotes » de tournage est étanchée, une autre curiosité, bien plus cinéphilique incarne le point central de cette exposition : le film. Suite à la découverte miraculeuse à Buenos Aires d’une copie issue du film projeté à Berlin en 1927, Metropolis retrouve enfin ses séquences oubliées pour se montrer tel qu’il fut projeté à l’époque. Restauré, augmenté des plans manquant qui lui redonne son sens originel, le film renaît après avoir été mutilé et remonté dans les versions que l’on connaissait jusqu’à présent. Même si la narration générale n’est pas chamboulée par ses ajouts, elle permet de se faire une idée des objectifs que Lang s’était fixés lors du tournage et de la réussite brillante que constitue Metropolis. Dans la dernière partie de l’exposition consacrée au travail de remodelage du film, un long documentaire se fait l’écho de cette épopée incroyable où un chef d’œuvre qu’on croyait perdu renait de ses cendres.

Bonus

Pour montrer à quel point Metropolis a pu marquer le monde du Septième Art, la Cinémathèque lance en parallèle de l’exposition une rétrospective intitulée « Cités futuristes ». Blade Runner, Le Cinquième élément, L’Age de cristal, Dark City, Ghost in the Shell ou encore Playtime apparaissent dans ce cycle. Chacun à leur façon, ces films ont imaginé les villes de demain, enracinant leur imaginaire dans les visions avant-gardistes de Lang. Engins volants, tours immenses, peuple insectoïde grouillant, les images inscrites dans notre inconscient collectif dérivent presque toutes de la technopole de Lang. Si on peut déplorer la sous-représentation française dans cette programmation (mais la science-fiction ne fut jamais le fort de notre industrie cinématographique), elle montre toutefois parfaitement la référence absolue qu’est Metropolis dans l’histoire du cinéma et rend ainsi hommage à ce métafilm.

Somme impressionnante d’archives, l’exposition de la Cinémathèque intéressera les amateurs mais laissera sur leur faim les puristes. Quant au film, il mettra tout le monde d’accord sur le génie visionnaire qu’était Fritz Lang. Si tant est qu’une exposition fût nécessaire pour rappeler cette évidence.